谢谢邀请。作为一个山水画家，我理解的“不似之似”讲的就是中国画的气息与韵味。

大凡欣赏中国画的人都知道一个道理，中国画要气韵生动，没有气韵的作品不是好作品。中国画最精妙之处也是气韵，齐白石说过一句话：“不似为欺世，太似为媚俗，中国画妙在似与不似间”，多么精辟的分析，道出中国画的真谛。

中国画以形写神，重意境比过造型， 这是中国画特定笔墨所倡导的精神，形是神的载体，意到形不到，意到笔不到，留给观众丰富的想象空间。

“不似之似”的中国画，意境生动，神形兼备，体现出自我的独特魅力。中国画是世界艺术中的一朵奇葩，它盛开的那么娇艳，正是因为它的神气！

看回答都是狭隘主义者，大艺术时代是百花齐放的时代，只认识几笔梅兰竹菊、几笔文人山水是远远不够的。别忘了中国绘画还有工笔，还有界画和人物，那可是非常注重形似的，怎么把这些给丢了呢。说说现代，造型大师刘文西的人物是似还是不似？黄胄、周思聪、方增先、杨之光的人物难道是不似之间？他们的造型极其严谨准确才成为一代大家，即使范曾的人物也没缺胳膊少腿，仍然在严谨的造型之内。按照大家的逻辑，难道人物画要画成又像人又不像人才是中国画吗？从现代人物画中得出一结论，在富有趣味和表现力的笔墨支撑下，无论中规造型还是加以夸张都是上品，关键不是形上的似不似，而是笔墨的表现力和方式。似与不似间在现代绘画里不灵，不要说成是最高境界。没有造型能力搪塞一下就成了写意，别自己糊弄自己了，艺术这东西，必须先练得一身的硬功夫，没有捷径可走。

中国画最不缺的就是理论，一个画家一套论调，古人还有应物象形、师法自然、随类赋彩呢，千人有千个理解，况且齐老先生还有极似的。应该一套理论成就一种画风，谁也别拿自己的尺子度量他人。西画没有这精神那境界，倒是世界名画辈出，现在是多元时代，不要被某一论调束缚住手脚而耽误自己的时光。在强有力的笔墨支撑下，无论什么形式，只要能创作出生活气息浓厚，有思想有深度的作品，就是时代经典。

國畫的魅力在於她的不写實性！

國畫讲究的在似與不似間，太写實，一眼看懂，没有品味之意。没留給賞者品鉴余地。任何作品，或現象如果一眼看懂，賞者就不會第二次三次的去賞析。觀者，觀其韵味，賞之内像！似，有其型，不似，无其表。自有其含韵之中。謂，人所共求也！

國畫，尤其寫意畫，百人百見。每个人，觀其表象，而用各自所理解的内涵诠释她！文化思想教育不同，藝術造诣不同，年龄不同和民族不同，所反映到對畫的理解上差异！反之於写實畫種，千人一見，無其左右，很白開！

所以，國畫的魅力是千姿百态，无所固守的，此，也是其尽興魅力所在！

國畫家. 孟玉峰. 於2019元月

孟玉峰國畫作品

中国画中的“不似之似”是中国画中的艺术特色，在造型上，不求形似，但求神似，通过画家本人对物象，形家的造型写意来表达自我的情感表达，其特色就在一个写字，写形而达神，通过艺术的夸张恰到好处的表现物象的形神，以独立的笔墨语言表情达意。

中国画讲究以虚写实，计自当黑，逸笔草草，以主观意象表达物宾主，以墨色的干湿浓淡来表现远近关系，以大量留白表现溪水江河，亦可以表现烟云氤氲，以三言两语表现舟辑，房舍，燕雀，人物等等，这些都是中国画用“不似之似”的独特方式表现自然物语，表达诗情画意。

中国画还讲究以少胜多，以一当十，追求简约，但也讲求简约而不简单，追求以小见大，平中见奇的神奇效果。有时并不拘泥于一点一滴的得，而谋求整体构图上的浑宏大气，用心经营笔墨关系中的点，线，面，呼与应，虚与实，浓与淡，开与合，疏与密，藏与露，开与合，起与伏，繁与简，聚与散的相融互渗，这更是中国画“不似之似”又一种艺术特色。

<2>中国画

中国传统绘画艺术统称“中国画”，简称“国画”。从新石器时代的彩陶墨绘，到战国时期的帛画线描，再到晋唐宋元异彩纷呈的屏扇卷轴，在这些历史的足迹里都能够找到中国绘画艺术发展的身影。千余年的历史传承，使水墨艺术成为中国特有的绘画艺术体系，同时也赋予了它深厚的文化底蕴。中国绘画艺术继承了中国佛、道、儒三家的思想体系，它蕴含了闲达静远、心境合一的禅宗美学思想，技法合一、天然而成的道家美学思想以及尽善尽美、仁乐统一的儒家美学思想。

（一）以形写神的表达方式

在中国人传统审美观念里，“形神兼备”是评价一幅画好坏的重要标准。所谓形，即形状，是客观事物的外部视觉感官。所谓神，即精神，是折射出来的客观事物背后的内在精神。形与神两者相辅相成、缺一不可。形不似则神难传，离开了形也写不了神。但若刻意去追求形似，则会失去事物的内在精神，那也谈不上是佳作了。中国传绘画艺术就讲究这种以形写神的创作表达方式，它指创作者对不具有精神内容的事物以自己独特的创作手法赋予事物新的精神面貌。以马来说，它本身不具任何文化内涵，但徐悲鸿先生的水墨奔马，却往往是无羁群,尚桀骜,更是抒发胸中的激情,寄托着忧国忧民的思想感情.

（二）虚实相生的意境结构

虚实相生是中国话的一种意境特征。意境的产生是由画家对客观事物引发的主观思想，然后通过绘画者的画笔呈现出来。中国画的虚处，是指画中与重点描绘对象相比较为薄弱的地方或是画笔稀疏的部分，是能够引发人联想的意境。而实，是指画面中画的最细致、最丰富的地方。中国画中的实与虚之间是可以相辅相成、相互衬托并互为背景。它们在水墨艺术的技法上表现为多与少、浅与深、动与静、浓与淡等；用笔的轻与重、凝与畅、缓与急等对应因素来处理画面的虚实，无论是写实性、表现性还是抽象性的绘画都需要虚实的处理，这是绘画语言所必需的处理方法。

（三）黑白为主的色彩体系

中国的中国画一直遵循着黑白为主的作画色彩体系。黑色与白色是中国画中最为重要的颜色构成。但是中国画中的白色，不同于我们所认识的白色。中国画中的白色，是中国画经过上千年对墨黑的用色体系的不断研究和筛选出来的最佳搭配色彩，它是抽象的艺术内涵。与之相对应的就是黑，“知白守黑”，在白的基础上作黑，用黑来体现白。黑白虽无色，但却以墨为彩。在水与墨的相互晕染之间，加上水墨艺术在作画上的独特技法，色彩上的单一反而赋予它强力的视觉冲击和鲜明的节奏韵律。

（四）以简为美的留白技法

留白是水墨艺术的重要表现手法之一，具体指在作画时事先留出一些空间不进行着色。留白的“白”不同于黑白颜色的白，它更多指的是画面背景的空白。画面的留白是为了让观众自己去联想、去感受、去体会。空白处虽无一物，但却可以让观者领略作者的心境，给观者丰富的想象空间。相反的是，如果整个画面满满却没有突出的重点，不留一点联想的空间，那画面效果将会大打折扣，无疑是失败的作品了。齐白石的画虾不留水，李可染的画水牛嬉水不留水，都是留白的艺术处理，因恰当好处的留白技巧而使作品意蕴更显深远。 （五）托物言志的文化精髓

托物言志是水墨艺术最内在的文化精髓。是指创作者通过描绘具有文化象征含义的客观事物来抒发自己的情感或来表明自己的作品主旨的表现手法。用这种方法来创作的独特之处就在于要借助已被赋予文化寓意的客观事物去比喻、比拟或表现创作者的某一种思想、一种感情或是一种精神。就如在中国画中最常用到的梅兰竹菊来说，它们分别对应着傲、幽、坚、淡这四种精神品质。所以要画出一幅好的中国画，也就要懂得每一种“事物”所对应的某种象征寓意。这种寓意要与自己的表达意愿具有某种共同之处，而不能生拉硬扯、牵强附会。

要有充分的想象力，太像生活就等于背叛生活

中国画的“似与不似之间”为形之品评标准的独特艺术观点，大略是来自中国传统文化，尤其是来自佛学的影响。《金刚经》认为：“凡所有相皆是虚妄。”相就是形象，说其虚妄是因为形器世间，也就是物质世界的一切，无时不在变化中。

所谓“四大皆空，五蕴非有”，过去、现在、未来三世一分钟也不曾暂停，就像是梦幻泡影般把握不定，而世人不知其幻，往往穷毕生精力去追逐、迷恋、竞争，实在是愚迷之极。所以佛陀慈悲为怀，指导众生抛弃其虚幻，而回归那个真实不虚、如如不动的本体。这就是中国画所以不重视“形似”的理论根据，因为“形似”只是事物的表相而已。

但是，既然这实有的物质世界(也就是有、形似)并不可信，那么彻底否定它(也就是绝对空，即不似)对不对呢？也不对，那是因为世间万物在一定时空条件下，视之有色，闻之有声，触之有物，又的确明明白白地存在着，所以无论有，还是空，都不是绝对正确。

那么正确在哪里呢？其实正确也并不离乎空和有。所谓“道不可离，可离非道”。那么惟有不离空、有，亦不执著空、有，从容中道，才是接近正确的途径。

从绘画而言，这和齐氏“似与不似之间”的审美观点不是若合符节吗？只是这个“似与不似之间”，既不是形似，也不是不形似。且不可误解为一半形似，或一半不形似，而是似与不似之形的融会与升华，是画家真性情，即精神气质与山川真景物的巧妙结合和再创造。

不似之似，中国画术语。指画家笔下的艺术形象，不只是照搬客观物象，而有所概括、有所提炼与取舍，用简练的笔法，以求收到比生活更高的艺术效果。

齐白石论述的"不似之似"，“太似为媚俗，不似为欺世”即石涛说的"不似似之"。黄宾虹说:"绝似物象者与绝不似物象者，皆欺世盗名之画，惟绝似又绝不似于物象者，此乃真画"傅抱石曾列作画程序:不似(入手)--似(经过)--不似(最后)。"谨毛失貌"，意谓作画不能细逐微毛，否则，便会使画的大貌(整体)有失，因少失大。

绘画创作妙在似与不似之间，追求神似是人物画的灵魂，神似可以发挥人的想像空间，只有外形似，神态不似，就失去了人物灵魂。只有形神兼备才是最高的境界。

维妙维俏显的俗气，完全不象又显虚无，所以在似与不似之间，用抽象朦胧地表现出意境中美的物象。留给观赏者去发挥丰富的想象，参与到作品中去。

中国画“不似之似”的概念表述初见于明代的沈颢，然而这种具有中国画最显著特征之一的表现手法早在元代就已经有人主张並实践过了。倪瓒的“似是而非乃是也，取之意像胜具像”就是同样的意思。其实倪瓒的画作多居于小写意和工笔之间，但其对“似是而非乃似也”的主张显然是十分倡导的。明人徐渭的创作主张更是鲜明：“具之以体不可多为，取之大致方符吾意”。了解徐渭的人都知道，他也曾是大小写意加工笔的体验者，但其对大写意的表现手法情有独钟，而大写意的表现手法恰恰就最能体现出“不似之似”的意味。

在中国绘画史上，有许多的代表性人物都是“不似之似”的积极的倡导者和高端示范者，其中石涛、八大山人等都是楷模。在近现代乃至当代，许多有成就的画家也对“不似之似”的表现手法予以了最大限度的遵从和实践，他们这样做，也是对中国画传统精髓的肯定和继承。